ASBELL

작년 여름, 한참 터키 여행을 준비하던 때에 두산아트센터 Space111 에서 초연한 뮤지컬 '모비딕'을 보고 와서 '소리와 음악의 감동'이라는 짧은 감상을 남겼더랬다. 그리고 채 1년이 되지 않은 올 봄, 뮤지컬 '모비딕'은 같은 곳의 연강홀로 무대를 좀더 넓혀 다시 배를 띄웠다. 이렇게나 가슴 뛰는 작품이 되어.

뮤지컬 '모비딕'은 설명이 좀 필요하다. 외국에서는 그 사례가 있었다고 하나, 적어도 우리나라에서는 처음 시도된 액터-뮤지션 뮤지컬이므로. '액터-뮤지션'은 말 그대로 연기자와 음악인을 겸하는 아티스트를 말한다. 그렇다고 노래 부르는 아이돌이 나오는 뮤지컬을 '액터-뮤지션 뮤지컬'이라고 하지는 않는다. '액터-뮤지션 뮤지컬'이란 작품 안에서 '액터-뮤지션'이 구현되는 것이다. 즉 연기자가 극 안에서 직접 악기를 연주한다. 외국의 사례는 몇 번 글로 소개받았었으나 사실 상상이 잘 되지 않았었다. 뮤지컬 '모비딕'은 나의 첫 액터-뮤지션 뮤지컬이었고, 뮤지션이 연기를 하기 위해, 연기자가 음악을 만들어 내기 위해, 멜로디가 쪼개지고, 또 겹쳐지는 너무나 신선한 편곡의 묘미와 소리의 향연을 내게 선사했다. '소리와 음악의 감동', 한 구절로 표현된 초연 때의 내 감상이다.

뮤지컬 '모비딕'은 조용신 작, 연출가와 정예경 작곡가를 필두로 한 창작진이 '우리 새로운 거 한 번 해보자' 해서 1년여동안 워크숍부터 차근차근 단계를 밟아 올린 것으로 알려져 있다. 액터-뮤지션 뮤지컬이라는 장르를 고집하기 위해서는 연주와 극 연기에서 아무렴 연주에 비중이 더 실렸을테고, 단계를 밟아 수정 보완해 왔다 하더라도 작품의 드라마까지 욕심내기엔 1년은 아무래도 부족했을 터였다. 초연의 아쉬움은 여기에서 나왔다. 사소한 효과음까지도연기자가 악기를 통해 직접 소리를 만들어내며, 화려한 기교의 연주는 그 자체로 연기가 되었지만, '모비딕'의 작품 철학을 이해하기엔 역부족이었다. 그러나, 올해 다시 만난 무대는 줄거리가 있는 콘서트같단 느낌이 없지 않았던 초연의 한계를 극복하고, '모비딕'의 원작소설을 모른다 할 지라도 충분히 극을 이해할 수 있게 유기적인 흐름을 만들어냈다. '인간과 자연과 교감'이라는 이 작품의 주제 의식에 가장 가까운 인물인 퀴케그의 캐릭터가 분명해 진 것이 대표적이다. 다만 아쉬운 것은 초연 때 배우가 흰색 자켓을 덧 입는 것이나, 지금 무대 앞쪽으로 자리를 옮기는 것이나, 콘트라 베이스가 흰 고래 모비딕을 형상화하는 것은 여전히 모호하다.

극의 이해를 돕는 것에 무대 또한 한 몫 했다. 공연을 보기 전 새로운 '모비딕' 무대에 대한 기사를 접해서 대략의 스케치까지 봤었음에도, 공연장에 들어섰을 때 무대는 나로 탄성을 자아냈다. 바다에 침몰해 버린 난파선. 불안하고 위태롭고 위압적인 죽음을 보여주기 위해 택했다는 경사무대는 실제 배우들이 움직일 때마다 아슬아슬한 항해를, 모비딕과의 죽음을 건 사투를 불안한 마음으로 지켜보게 했다. 피아노의 위치가 초연 때 중앙에서 이번 공연에서 바깥쪽으로 옮겨진 것도 더 나아진 방향같다. 피아노를 담당하는 이스마엘에게 관찰자라는 정체성을 더 분명하게 부여했으므로.

악기를 연주할 줄 알면서 캐릭터에 부합하는 연기자를 찾는 것부터 쉬운 일은 아니었을터, (프로그램을 보니 같은 배역을 연기하지만 사용하는 악기가 다른 더블 캐스팅도 있는데다, 같은 악기를 사용한다 하더라도 뮤지션이 해오던 연주 방식이 달라 악보도 모두 달랐다고 한다.) 어렵게 모은 뮤지션들에게 노래와 연기를 주문해 뮤지컬 무대에 세우는 것이 어디 만만한 일이었겠는가. 당연히 그들의 연기는 베테랑 배우들에 훨씬 미치지 못하나, 그래도 박수를 보낼 수 밖에 없는 건 초연 대비 일취월장한 연기를 보여주기까지의 그들의 노력과, 그들은 다른 배우들이 하지 못하는 연주의 연기를 보여주기 때문. 이스마엘 신지호, 당신의 피아노는 정말 최고! 퀴케그의 지현준은 연기자 출신이라 그런지 비교적 안정된 연기를 보여주나, 역시 KoN이 들려주는 소름끼치는 바이올린 퍼포먼스가 그리웠다. KoN 캐스팅으로 봤다면, 여전히 퀴케그의 정신세계를 이해할 수 없었을까? 그럴지도.-_-. 광기어린 중심인물 에이헙의 황건은 이 작품으로 인기가 치솟는듯 하니 더 말하지 않지요.

마지막으로 내가 최고로 반했던 연출을 꼽는다면, 도입부분 망자들의 등장 장면. 조명의 어우러짐은 정말 최고였답니다.

예전에 한 평론가는 뮤지컬계에서 배우 '조승우'의 영향력에 대해 "흥행에 성공하고 싶은가? 그냥 이 배우가 출연을 원하는 작품을 만들라."라고 했다. 이렇다고 하면, 영화를 제하고, '조승우'의 제대 후 첫 뮤지컬 출연작은 물론 <지킬앤하이드>였으나, <지킬앤하이드>는 지금의 '조승우'를 만든 작품으로 '조승우'의 재출연이 그리 놀라울 게 없었으니 제껴 두고 나면, 바로 이 작품, <조로>가 의미가 있게 된다. 언젠가부터 너무 화려하기만 한 대형 뮤지컬에 조금 질린 나같은 사람까지도 극장으로 불러낸 데에는 아무렴 '그'를 비롯한 신뢰를 갖게 하는 화려한 캐스팅, 그들의 선택이었다는 거다.

뮤지컬 <조로>는 잘 알려진 스토리와 영웅 캐릭터, 화려한 플라멩코와 액션 등 작품 그 자체로도 충분히 기대치를 높인다. 그러나 잠깐 언급했듯, 화려하기만 한 작품은 때로 의외로 관객의 마음을 싱겁게 내려놓지 않던가. 그래서 조금 불안했던 게 사실. 그리고 작품을 보고 난 지금은, 예상한 바 반, 의외로 반 정도 되겠다. 충분히 즐겁기도 했으나, 역시 극장을 나설 때 감동의 도가니? 모 이렇지는 않더라고.

폭군 라몬의 탄압에 괴로워하는 시민들이 어려움에 처할 때마다 나타나, 라몬 일당의 계획을 무산시키고, 시민들을 구해 주는 영웅 조로의 활약상과 그의 숨겨진 정체, 주변 인물과의 관계들이 <조로>의 스토리다. 그러하니 무대 위의 <조로>의 매력은 일단은 화려한 검술 액션. 극장에 들어서니 관객 위를 가로지르는 줄이 설치되어 있었다. 과연 우리의 영웅은 언제쯤 저 줄을 타고 날아줄 것인가는 나의 관점 포인트 중 하나였는데, 라몬이 루이자와 강제 결혼식을 올리려는 마지막 순간, 멋지게 날아서 루이자를 구하더라고. 생각했던 것보다는 액션은 그리 화려하지 않았다. 결투 이미지를 형상화한 군무 형태로 보여질 줄 알았는데, 그렇지 않고 실제로 칼 부딪히며 싸우는데, 하핫. '조승우'의 작은 체구는 날렵하긴 한데, 각은 좀 아니더라구요. 반면 제복 입은 라몬, 최재웅은 좀 태가 나요.

주인공 디에고는 공부하라고 유학 보내놨더니, 하라는 공부는 안하고 집시들과 어울린다. 그리고 루이자의 설득으로 디에고가 고향으로 돌아갈 때 이네즈를 비롯한 함께 놀았던 집시들이 동행한다. 그래서 집시들의 플라멩코가 자연스럽게  <조로>의 무대를 여러번 채운다. 스페인의 정열이 고스란히 느껴지고, 그들의 즐거운 기운은 충분히 관객들에게 전해진다. 이네즈, '김선영'의 시원시원한 창법은 압도적인 카리스마로 앙상블의 에너지를 최고로 끌어올린다. 모든 작품에서 변화를 보여준다기보다, 한 캐릭터가 그저 조금 변주만 될 뿐이라는 인상이 아쉬우나, 그녀의 노래, 춤, 연기에 대해 역시 흠은 잡을 수 없다.

아무래도 뮤지컬 <조로>는 위의 두 가지, 액션과 플라멩코가 전부일 줄 알았다. 그러나 내가 의외로 반한 것은 하얀 의상을 입은 여자 앙상블들이 민중들의 아픔을 노래하는 장면들이었다. 그들의 음악은 한국적 정서, 한을 공감케 하였는데, 무조건 슬픔을 배가시키기 위해 늘어지는 것과는 다른 애수가 있었다. 앙상블이지만 한 구절씩 솔로 파트를 소화하는 배우들의 가창력도 어디 하나 빠지지 않았다.

그리고 또 맘에 들었던 장면은 루이자와 조로의 동굴 장면, 서로를 향한 애타는 마음을 드러내지 못하고 부르는 듀엣 씬은 모든 작품에서 빛을 발하는 법이다.

'조승우'가 이런 작품도 하는구나라고 생각했다. <조로>에는 애드립스러운, 처음엔 조금 의심했으나 애드립은 아닌 듯 하다, 코민 코드가 꽤 많이 등장하고, 상당한 비율로 주인공 디에고이자 조로가 담당하는데, 나의 편견인지 모르나, '조승우'하면 좀 진지해지지 않나?, 게다가 춤까지 연결시키면...... <헤드윅>같은 작품과는 또 다르잖아. 그리고 숨이 가빠 그랬는지, 공연 시작된 지 얼마 되지 않아 연습 부족인지 두 번의 대사 실수까지 들리니, 조로 캐릭터는 그에게 괜한, 과한이 아니라, 욕심인 건 아닐까 싶기도 했다. 무대 위 배우가 스스로 즐기면서 하는구나가 전해졌다면 관객마저 즐겨야 하는가?는 아직까지는 물음표.
 

한국판 ‘빌리 엘리엇’이 어떤 모양을 갖고 있을는지 그 궁금함 하늘을 찌를 듯 한 것을, 작품의 성패에 ‘빌리’의 역할이 99% 달려 있다 해도 과언이 아닌 작품이기에, 대한민국 1대 빌리들이 공연이 진행되면 될수록 더 많이 성장할 것을 기대하며 참고 참으며 미뤄왔던 ‘빌리 엘리엇’을 드디어 관람했다.

15분의 인터미션을 포함하더라도 3시간 공연은 결코 짧지 않다. 하지만, 빌리를 만나는 시간이라면 그저 일분일분이 흘러가는 것이 아쉽다고 밖에.

번역과정에서 코믹코드를 놓치지 않고 한국화시켜 주어 틈틈이 웃음을 줬고, 할머니의 회상 신, 죽은 엄마의 등장 신 등에서는 따뜻한 감성이 전해졌다. 광부들의 파업과 발레수업이라는 전혀 상반된 상황이 동시에 대립적으로 한 무대에 재현되는 연출은 영화에서보다 더 그 시대의 아픔을 경험하게 했다. 영국 초연 연출은 원작 영화와 마찬가지로 스티븐 달드리가 맡았는데, 그는 아마도 영화에서부터 이런 대립적 장면을 그리고 있었던 건 아니었을까? 원작 영화가 음악과 춤을 기반으로 하고 있으니 어쩌면 당연한 귀결이지만, 그럼에도 어쩔 수 없이 작품의 가장 큰 매력인 음악과 춤에 대해서 얘기하지 않을 수 없다. 많이 회자되는 성인 빌리(빌리의 그림자)와 함께 춤추는 ‘Swan lake’ 장면이나, 최고의 명장면 ‘Electricity’는 물론이거니와, ‘Angry dance’ 장면 또한 너무 강렬해서 나는 1막이 끝난 후 마음을 어찌해야 하나, 그야말로 Electricity(전율)에 빠진 상태를 진정시키느라 애를 먹었다. 2년여 전 한국 공연 소식을 들었을 때, ‘과연 누가 빌리를 할 것인가’ 걱정 반 기대 반이었는데, 내가 만난 빌리 이지명군, (다른 세 아이들도 이만큼 해 내고 있을 거라 생각한다.) 와우! 어떤 분의 표현대로 누나들 지갑 좀 열게 하겠다.

그러나 영국에서처럼 합격통지서를 받은 후 빌리가 가족들을 놀래켜 주려고 트릭을 쓰는 것으로 연출된 장면은 여전히 나는 아쉽다. 너무 기쁜 나머지 흥분이 겉으로 나오는 게 아니라 조용히 눈물이 되어 나오는 영화에서의 그 장면이 나는 너무 좋은데…..

이 작품에는 참 좋은 사람들이 많이 나온다. 너무 예쁘고 귀여우신 할머니, 아들의 꿈을 위해 동료를 배신하고 탄광으로 향하는 아버지, 끝까지 거칠지만, 동생의 미래를 진심으로 걱정해 주는 형, 무뚝뚝해 보이지만, 빌리의 재능을 진심으로 격려하는 윌킨슨 선생님, 너무 좋은 친구 마이클 (오 마이클 역의 김범준군 완전 예쁘게 생겼다.ㅋㅋ), 그리고 우리의 주인공 빌리. 이 작품의 가장 큰 매력은 물론 음악과 춤이겠지만, 그 춤이 일회성 눈 정화제로 끝나지 않고 꾸준한 감동으로 남는 것은 이 좋은 사람들 덕분이 아닐까?

아무래도 주류는 브로드웨이와 웨스트엔드이지만 최근 우리나라에도 세계 여러 나라들의 뮤지컬들이 소개되고 있다. 그러나 특별히 어떤 편견을 가지고 고르려 든 것은 아니었는데 나는 아직 브로드웨이와 웨스트엔드를 벗어나 보지 못했다. 물론 대한민국 순수 창작을 제하고 하는 얘기다. '노트르담 드 파리'를 시작으로 들어오는 작품마다 대박 행진이었던 프랑스 뮤지컬도 아쉽게도 아직이다. 서두에 이런 안타까운 고백을 하는 것은 그만큼 나는 브로드웨이와 웨스트엔드에 익숙하단 전제가 깔린다는 얘기다. 제목에서 읽히듯 '일 삐노끼오'는 영어권이 아니다. 이탈리아 뮤지컬이다. 누가 ‘피노키오’가 이탈리아 태생 아니랄까봐! ^^;;

자막을 봐야 하는 불편함 때문에 내한공연을 좀 꺼리는 편인데, 잘 알고 있는 ‘피노키오’가 소재인데다 이탈리아 뮤지컬의 내한공연은 아무래도 다음 기회를 기약하기 힘들기에 선뜻 거금을 들였다. 이탈리아 작품이라고 해서 뮤지컬의 기본적인 공식에서 크게 벗어나는 것은 없었다. 그런데, 아무래도 확실히 다른 느낌이었다.

원작인 ‘피노키오의 모험’을 제대로 읽어 보았는가? 창피하지만 난 읽지 않았다. 그렇게 많은 에피소드들을 담고 있는 작품인 줄 새삼 알았다. 공연 역시 그 긴 이야기를 기본적으로나마 모두 담아 내다 보니 2시간30분의 꽤 긴 작품이 되었는데, 나중에는 살짝 지루해지기도 하더라. 아무래도 내가 어른인 탓일까? -_-; 그렇지만 무대의 수준은 절대로 어리지 않았다. 어른들도 충분히 만족할 수준을 보여 주었다.

현실과는 거리가 먼 환상적인 에피소드들이 구현된 장면들이 인상적이었다. 주인공 피노키오의 진짜 나무 느낌이 나는 분장, 줄 달린 꼭두각시 인형들의 공연 장면, 의인화된 동물들의 분장, 그리고 파란 머리 달의 요정, 투르키나가 인생에 대해 노래할 때 거울을 통해 피노키오가 복제되는 장면까지. 아무래도 그런 환상적인 장면들을 연출하다 보니 앙상블과 무대의 활용이 중요해 보였는데, 특별히 무대 활용은 점수를 주고 싶다. 적절히 위치를 바꿔 줌으로서 안과 밖으로 동시에 활용한 제페토의 집과 장난감 나라로 가는 자동차는 멈춰 있고 무대배경을 움직여서 이동을 표현했던 아이디어는 간단한 것이었지만 실용적이었다. 또 기억에 남는 장면은 바닷속. 바닷속 생물들의 움직임을 배경음악만 나오는 가운데 표현했는데, 좀 늘어지기도 했지만 환상적인 느낌만은 확실했다. 그 연장선상에서 전구불빛으로 고래의 입이 형상화되고 피노키오는 자연스럽게 고래에게 잡아 먹히더만. ^^;;

무대미술과 연출적인 기법들은 사실 아주 특별한 것은 아닐 수 있었는데, 이탈리아 작품으로서 아무래도 다르다는 느낌은 음악과 색감에서였다. 듣기 나름이겠지만 이탈리아어는 확실히 영어보다는 뽀드득거린다. (이런 느낌에 대한 표현에 대한 표준어는 무엇인지? -_-a). 대형공연의 음악들이 그렇듯 이 작품의 음악들도 익숙한 멜로디에 적절한 높낮이로 관객의 감정선을 적절히 조율했는데, 다르게 들린 건 그 뽀드득거리는 언어들이 리듬감을 더한 탓이 아닐까? 그리고 그 비비드 컬러의 의상! 배우들의 움직임에 발랄함을 더한 것은 말할 것도 없다. 당연히 어린이 관객들에게 어필하는 수준도 올렸을 테다. 어른인 나도 눈이 꽤나 즐거웠으니. 마지막으로 한국인 관객들을 배려한 깜짝 순간들이 몇 있었다. 나무인형이 완성된 순간에 인형이 살아서 처음 제페토에게 건네는 말을 “(한국어로) 아빠”라고 한 것을 시작으로 공연 중 서너 번 간단한 대사를 한국어로 날려준 것. 그리고 마지막에 사람이 되어 나타난 피노키오는 실제 한국인 꼬마 배우였다. 주인공 피노키오를 맡은 배우의 관객서비스가 특히 좋았는데, 공연이 끝난 후 싸인회(이 싸인회는 미리 선점된 사람들에게만 허락된 것이었다.ㅠ.ㅠ)에 모습을 드러낸 그는 정말 체구가 작았는데, 새삼 남자로서 작은 체구가 저 사람의 성장기에 상처인 적은 없었을까? 그러나 자신이 할 수 있는 가장 멋진 일을 해 내고 있지 않은가! 하는 생각을 잠깐 하기도 했다.

아무래도 자막에 신경이 쓰여 무대에 온전히 집중할 수 없었던 것이 아쉬웠으나 충분히 보는 즐거움이 있는 무대였다. 피날레를 할 때는 함께 박자를 맞출 수도 있을 만큼 마음에 즐거움이 남았던 공연이었다.